histoire – piano_ma_non

Une histoire de la Biennale

L’histoire commence en 2007.

En fait non, on peut la faire débuter bien avant ! Avant la mise en valeur du collectif dans les textes officiels, avant les pédagogies expérimentales des années 70, avant même les leçons des grands maîtres en format « toute la classe est là toute la journée » : on peut repartir de la littérature pour quatre mains, une littérature mineure mais abondante (et il y aura à dire sur ce caractère minoritaire du quatre mains, on en reparle tout de suite). L’histoire commence donc en 1600 avec Fancy, for two to play de Thomas Tomkins, qui serait peut-être bien la plus ancienne partition pour clavier collectif. On pourrait même partir de plus loin tiens : il y a fort à parier que depuis que les instruments à clavier existent, il y a très vite eu rencontre de musiciens sur le même instrument (vous savez, ces fameuses soirées où la succession de solos dépasse vite sa propre limite pour se muer en un partage du clavier, aussi expérimental que bon enfant, avec ou sans partition).

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Conférence : Le concert par addition

Depuis Bach et Louis Marchand, jusqu’à la grande compétition de l’Hexaméron, la virtuosité s’est d’abord jouée en mode compétition. Mais il aura fallu qu’elle se désindividualise pour que le piano redevienne collectif dans les formes du concert aujourd’hui.

Une histoire du piano collectif, de Bach à Bastien David

Conférence par David Christoffel, musicologue, auteur de Les petits malins de la grande musique.

Podcast :

David Christoffel est poète et compositeur, homme de radio et docteur en musicologie de l’EHESS. Auteur d’opéras parlés ( Échecs opératiques à l’Opéra de Rouen en 2018 et Consensus partium au Festival d’automne à Paris en 2020) et de pièces radiophoniques pour la scène ( La Voix de Foucault , ManiFeste, 2014), il mène une réflexion sur les rapports entre poésie et musique en publiant de nombreux articles et en dirigeant le volume Orphée dissipé (RSH, 2018).

Ancien chroniqueur pour France Musique (de 2010 à 2014), il produit magazines et émissions de créations pour France Culture et Espace 2 (RTS) et l’émission hebdomadaire Metaclassique diffusée sur une centaine de radios libres qui donne lieu à des Annales (publiées par les éditions Aedam Musicae).

Il est également l’auteur d’ Ouvrez la tête (ma thèse sur Satie) (aux éditions MF, 2017) et de l’essai La musique vous veut du bien (PUF, 2018, rééd. 2022). Chargé de cours au CNAM puis au CFMI d’Orsay, il développe des modules de médiation musicale par la création radiophonique aux CNSMD de Lyon et Paris, à l’ENS d’Ulm et dans différentes universités (Sorbonne, Tours, Evry et Genève et, ponctuellement, Nice et Grenoble).

Ses travaux sont recensés sur le site www.dcdb.fr

L’enseignement en collectif, réflexions pédagogiques

L’“Éducation Nouvelle” n’est à ce point plus si nouvelle qu’elle ne date pas seulement du siècle dernier, mais du siècle d’avant (le XIXe). De surcroît, ce mouvement/cette praxis menant à la gnosis-connaissance (et non l’inverse) s’inspire aussi de pratiques qui existaient dès l’Antiquité, comme elles furent remises au goût du jour par les Humanistes en leur temps, comme elles avaient su perdurer en partie, jusqu’alors et par la suite… Mais ces pratiques pédagogiques avaient certes été, pour beaucoup et par trop oubliées ou délaissées au point de (re)paraître alors entièrement nouvelles. Cela étant, la simple action (pas si simple en soi) de remettre au jour ces méthodes, et plus encore de les remettre au goût du jour, en lien avec la société contemporaine, était en soi force d’innovation tant le contexte aura changé entre-temps (or, le principe même de ces pédagogies étant de repartir de l’apprenant et du contexte de son apprentissage, cet aggiornamento était en soi et a priori une force d’innovation, même si les principes, axiomes et volontés n’en étaient pas fondamentalement inédits).

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Conférence : Et si la musique…

Et si les sons étaient aussi des mots, les notes des couleurs, les rythmes des époques, les accords des sentiments, les instruments des personnages, les tonalités des paysages… Bref, et si la musique était aussi autre chose qu’elle-même, que nous raconterait-elle ?

Avec Michaël Ertzscheid, pianiste et professeur au conservatoire de Boulogne-Billancourt et au CNSMD de Paris.

Podcast :

Michaël Ertzscheid est pianiste, chambriste, pédagogue et improvisateur.

Musicien passionné de pédagogie, le partage est au cœur de son activité.

Titulaire du certificat d’aptitude aux fonctions de professeur de musique, il est actuellement professeur de piano au Pôle supérieur d’enseignement artistique Paris Boulogne-Billancourt et au Conservatoire à rayonnement régionale de Boulogne-Billancourt.

Il enseigne également la pédagogie du piano au CNSM de Paris.

La Fantaisie en fa mineur de Schubert

Roman Soufflet, musicologue et pianiste, nous présente la Fantaisie en fa mineur de Schubert, œuvre importante dans le catalogue des pièces pour piano à quatre mains.

S’appuyant sur une analyse complète de l’oeuvre (qu’il a postée ici : https://lewebpedagogique.com/pianomanonsolo/?p=1167), il explique en quoi cette œuvre tient une place à part dans le catalogue du compositeur.

La Fantaisie en Fa mineur de Schubert – Analyse détaillée par Roman Soufflet

La Fantaisie en fa mineur a été composée entre janvier et avril 1828 et jouée pour la première fois dans la sphère intime le 9 mai 1828 ; Schubert l’interprète alors avec Lachner devant Bauernfeld, deux de ses amis et partenaires de prédilection. De la Wanderer Fantasie, Schubert reprend le plan général en quatre parties enchaînées ; de la Fantaisie pour violon et piano, Schubert réinvestit l’idée d’un retour thématique. Mais là où dans cette dernière, la reprise du thème permettait d’introduire le finale Allegro Vivace – sur le modèle de l’opus 101 de Beethoven – ce retour vient ici conclure l’œuvre et la clore de manière cyclique.

Les quatre mouvements sont ainsi disposés : Molto moderato, Fa min. (119 mesures) ; Largo, Fa#min. (43 mesures) ; Allegro Vivace, Fa#min. (275 mesures) ; Tempo I, Fa min. (133 mesures) Continuer à lire … « La Fantaisie en Fa mineur de Schubert – Analyse détaillée par Roman Soufflet »

Monument pour deux pianos : évolution de la conception du temps musical chez Ligeti

Maxime Joos, professeur d’histoire de la musique et d’analyse musicale au conservatoire de Lille, nous livre une réflexion sur le temps musical chez Ligeti à travers la première de ses Trois Pièces pour deux pianos, Monument. Cette contribution, révisée en 2021, est tirée d’un extrait du mémoire de Recherche en Analyse musicale, sous la direction d’Alain Louvier, intitulé György Ligeti : de la genèse à l’esthétique, CNSMDP, 2003, soutenu au conservatoire de Paris, devant Pierre-Laurent Aimard, Antoine Bonnet et Catherine Fourcassié. Ce travail de recherche avait, originellement, été inspiré par la consultation des archives Ligeti de la Fondation Paul Sacher de Bâle en 2001-2002.

Quelques dates, pour mémoire…

Martine Joste, pianiste et pédagogue, nous livre l’historique d’expérimentations autour du piano collectif qui se sont déroulées dès 1972, d’abord au Conservatoire de Pantin, puis à l’Ecole Nationale de Musique du Blanc-Mesnil, en Seine-Saint-Denis. Elle nous les raconte en tant que participante active…

Les impairs du piano collectif

Emmanuelle Tat, pianiste et musicologue, brosse un panorama de l’histoire du piano collectif en suivant un axe original, celui du nombre impair : nombre impair de pianos, de pianistes ou de mains ! Playlist de l’article : https://www.youtube.com/watch?v=PdNjyzxqmWU&list=PLhutuju3lTz8z7qlJuESSfeKzfVvWNmdl

Pédagogies de groupe, hier et aujourd’hui

Formatrice en pédagogie à l’isdaT et aux Pôles Supérieurs 93 et Bordeaux, Karina Cobo Dorado a publié aux éditions L’Harmattan La pédagogie de groupe dans les cours d’instruments de musique. Elle nous livre ici un panorama de la pédagogie de groupe, du 19^e siècle à aujourd’hui.